Artistas de Portada · 4: ¡Esa mano, Roslaw!

Recientemente se han cumplido 40 años desde que los proclamados “Dioses del metal”, los británicos Judas Priest, lanzaron al mercado su sexto álbum de estudio, el imprescindible “British Steel”. A estas alturas, a poco metalero que seas, ya conocerás curiosidades, detalles y entresijos del disco de toda índole. Y si no, siempre puedes hacerte con un DVD homónimo que editó para Europa la productora Eagle Vision, que contiene un interesante documental sobre el disco… pero te traigo un dato que tal vez (y solo tal vez) no sepas aún… ¿De quién es la mano que sujeta la cuchilla en la portada?

Una de las portadas más emblemáticas de la historia del heavy metal, con esa mano sujetando peligrosamente una sobredimensionada cuchilla de afeitar de acero británico… Pues bien, la famosa mano no pertenece a ningún miembro de la banda, si no al propio diseñador de la portada, Rosław Szaybo.

Este caballero polaco, de gustos musicales más cercanos al jazz que al rock, fallecido en 2019 a la venerable edad de 85 años, contaba ya con 47 cuando puso la mano frente a la cámara para inmortalizar la imagen que pasaría a la historia del metal. Fue, además de pintor y fotógrafo, director artístico de la compañía inglesa CBS del 72 al 88, lo que le permitió diseñar infinidad de portadas de todo tipo de géneros. De los propios Judas Priest firmó también las artes de “Stained Class” y “Killing Machine”, así como (ojo, que ahí es nada) el mítico logo del grupo.

Os dejo un extracto de una entrevista que concedió a la revista polaca “Polityka” a los 79 años, en el que habla sobre la creación de la portada en cuestión:

“Me reuní con su manager para la cena. Me dijo que las grabaciones aún no estaban listas, aunque si hubiera podido escucharlas, probablemente no hubiera cambiado nada, porque no conozco el heavy metal. Solo sabíamos el título: "British Steel" (…) Recordé cómo solía ir al bazar de Praga por navajas inglesas decentes. Las polacas se oxidaban rápidamente, y con las inglesas, con la inscripción "British Steel", podías afeitarte hasta cinco veces! (…) Durante la cena, sobre una servilleta, dibujé la mano sujetando la cuchilla. El manager del grupo quedó encantado, hubo aceptación. Luego solo había que implementar la visión. (…) En un ordenador, hoy lo haría en dos horas, pero como no existían, tenía que hacerlo todo por mí mismo. Empleé a un cerrajero quien hizo una réplica de la cuchilla según el tamaño que le indiqué, y es mi propia mano la que la sostiene en la fotografía original. (…) La portada de “British Steel” se alejaba de la estética de calaveras, motos y rubias desnudas, por lo que al sello discográfico no les gustó demasiado, pero la banda le respaldó y amenazaron con romper el contrato si no se utilizaba.(…) A veces me cruzo con jóvenes que llevan mis portadas en sus camisetas. Me pregunto qué pensarían si les dijera que yo diseñé el logo de su banda de metal favorita…”

Cuenta también cómo le decepcionaron los punks de “The Clash” cuando fueron a visitarle con su mánager para ver la portada que estaba diseñando para su primer disco “The Clash” y su única preocupación fue que no se les viera demasiado viejos en la imagen, que les hiciera más delgados y juveniles… Lo hubiera entendido de un cantante de moda, pero… ¿de un grupo punk?
Durante su época de director de arte en la editorial discográfica, creó obras para músicos tan reconocidos como Chicago, con la magnífica portada del “If you leave me now” (una maravilla, a mi escaso juicio), Bob Marley, Janis Joplin, Fleetwood Mac, Santana, Roy Orbison y un largo etcétera.

Una vez más, y como reflexión de despedida, queda patente como por inercia, y sin querer, atribuimos el mérito de la imagen de nuestros grupos favoritos al propio grupo, cuando en realidad, en la mayor parte de los casos, tienen que ver poco o nada. Suelen ser discográficas y agentes quienes deciden, sobre todo en los primeros trabajos del músico, y no siempre con acierto. Aunque casos como este, donde la banda defendió el arte del creativo, se demuestra el poder que tienen, aunque no siempre sean conscientes de ello, o no se atrevan a utilizarlo por miedo a perder un buen contrato.

Inteligencia Artificial.... creativa?

Que las máquinas nos están alcanzando, no es ningún secreto. Si comparamos lo que ha tardado el ser humano en evolucionar hasta un individuo racional (al menos, todo lo racional que es hoy en día), con lo que ha tardado la informática en desarrollar la inteligencia artificial hasta el punto en el que hoy se encuentra (que pese a todo, es embrionario), vemos que proporcionalmente somos la tortuga del cuento midiéndose al Halcón Milenario o la Enterprise (dependiendo del bando ci-freak en el que nos encontremos). Esta evolución ultra rápida nos da a entender que pronto veremos con asombro como a demás de aprender a razonar, las máquinas replican otras facetas del ser humano, como por ejemplo... imaginar y por lo tanto, crear. ¿O no?.

No voy a explicaros los experimentos que se están haciendo (que sepamos) relacionando I.A. con la creación de música (aunque sí os recomiendo como punto de partida estos interesantes artículos de la web Hispasonic: "¿Cómo componen las máquinas?: La inteligencia artificial en la música." del que, si vais tirando del hilo a través de sus enlaces, podéis aprender mucho, y este otro "Escucha un sistema de inteligencia artificial imitando el estilo de Los Beatles." con curiosos ejemplos). Más que nada, porque tampoco tengo un conocimiento tan profundo del tema como para contaros algo que no podáis leer en muchas otras webs. lo que sí pretendo con este artículo es despertar un poco la conciencia, la duda, el debate, la inquietud que nos genera el pensar que, tal vez, pronto las máquinas puedan componer y por supuesto interpretar música si ninguna ayuda humana más que la que le ha proporcionado el aprendizaje previo. Y me refiero a música original y emotiva, no la ensalada que se está haciendo hasta ahora (como ejemplo, un divertido experimento con el death metal aquí: "Death Metal 24 horas al día, creado por una inteligencia artificial" gracias a Guitarristas.info).

Y es que al ritmo que avanza esto, no es de extrañar que compañías como Sony ya estén investigando al respecto. ¿Tendrán intención de reemplazar la música "humana" con este producto, a la larga mucho más barato y rápido? Como todo, tiene sus pros y sus contras... A favor (de las compañías, se entiende) está el control absoluto sobre el "artista" y su producto, el coste cero una vez recuperada la inversión, y la capacidad de producir en cantidades ingentes en tiempo récord. En contra, obviamente la falta de humanidad en el producto. Ya no solo la más que posible carencia de sensibilidad, de capacidad de despertar sentimientos, de empatía emocional que produce una composición "humana", si no la imposibilidad de rentabilizar una actuación en directo (más allá del impacto inicial, de la sorpresa de ver un robot en el escenario). De lo que no me cabe la menor duda es de que se va a intentar, eso seguro.

A mi juicio, una vez superada la fase técnica y suponiendo que la I.A. pueda llegar a componer y ejecutar música con solvencia y convertirla en un producto comercial (cosa que doy por hecha), se acabará por bifurcar el negocio entre música comercial y música artesanal. Las máquinas crearán música orientada al puro negocio (hilos musicales 24/7, jingles comerciales, música para bailar...). Entiéndase esto desde el máximo respeto a los músicos que se dedican a estas áreas. No pretendo menospreciar su trabajo, pero sí es cierto que el público al que va dirigido es menos exigente, y más susceptible de aceptar un producto que parezca humano aunque no lo sea. Y cuando digo "música para bailar" me refiero a la vertiente más comercial, no hablo de funky, por ejemplo.
Y (retomo el hilo) música artesanal, es decir, aquella música hecha por humanos con la única intención de ser escuchada y sentida. Que obviamente puede servir a muchos otros propósitos, pero cuyo consumidor preferente sea el melómano que quiere sentir algo más a través de la música. La parte más humana, más artística, más emocional de la música, al fin y al cabo. Esa parte, por más que las máquinas sean capaces de emularla, siempre tendrá más éxito si ha sido creada por un ser humano. Una de dos, bien porque el consumidor siente que de otro modo está siendo engañado, o bien porque realmente existe ese "algo más" que tiene una obra de arte que parte de una persona.

Por supuesto podemos extrapolar este discurso a la literatura, la pintura, o cualquier otra expresión artística que se nos ocurra. Al final, y llegando ya a una conclusión, el resultado de esta evolución en la I.A. no hará más que demostrar o desmentir que el ser humano es algo más que un cuerpo dotado de herramientas para recibir, procesar y transmitir información, lo que le permite aprender y evolucionar... ¡Porque eso es lo que ahora mismo son las máquinas!. ¿Serán la creatividad, la imaginación, los sentimientos, la intuición o cualquier otro factor de los llamados "humanos", realmente humanos? ¿O simplemente serán resultados de procesos de aprendizaje y lógica que pese a ejecutarlos de modo inconsciente aún no sabemos comprender? Las máquinas nos lo dirán.

...Para compensar el rollo que os acabo de pegar, un vídeo de unos robots tocando Motörhead bastante divertido... o inquietante.

Lamentable: "A mi manera" en La Sexta

No se me ocurre otro adjetivo para el programa pseudo musical recién estrenado en "La Sexta".
El concepto, cómo no importado ("The best singers" en otros países desde 2009), es sencillo y atractivo a priori:
1: Juntamos a varias "estrellas" (estrellados, más bien) del pop patrio ochentero durante una semana en una casa / hotel junto al mar en Mallorca (precioso eso sí). Ya tenemos un sector de público ganado: los fans nostálgicos.
2: Dejamos que los protagonistas interactúen a su aire durante todo el día, y lo editamos reforzando las anécdotas, conversaciones a media luz, o momentos festivos, lo cual nos da un aire de reality. Y ya tenemos otro sector de público ganado: los adictos al indiscreto vyeurismo de los realities.
3: En cada programa, uno de los estrellados es el protagonista, y los demás deben versionar un tema cualquiera de su carrera, en directo, con ellos como único público, con lapretensión de llevar el tema ajeno a su terreno y emocionar al homenajeado. Aquí casi se ganan otro sector del público: Los amantes de la música en directo.

...Y digo casi, porque aunque ciertamente las actuaciones son en directo (lo cual en los días que corren en televisión es todo un lujo), cualquiera que realmente sienta respeto por la música se debería sentir ofendido por el ninguneo al que se ven sometidos los auténticos músicos del programa, que son tanto la banda que acompaña las "galas", como los arreglistas que ayudan a los invitados con sus versiones (probablemente, miembros de la propia banda, ya que algunos de ellos son también productores musicales).

Durante todo el programa no se hace mención en ningún momento al trabajo que existe detrás de cada versión. Elección del tema, arreglos, ensayos... hay mucho trabajo, y no se ve. Es más, si realmente solo han estado una semana en ese hotel, el trabajo lo han tenido que hacer con bastante tiempo de antelación. No olvidemos que cada invitado tiene que hacer 6 versiones en total, y que los músicos van a tocar cada noche 7 temas diferentes. Por profesionales que sean (y precisamente por eso) se requiere una buena dosis de trabajo previo. Las versiones (al menos las vistas en el primer programa) están bastante logradas, se nota y se agradece el esfuerzo por hacer encajar temas ajenos en el estilo propio de cada invitado. Pues bien, toda esa labor no se muestra en ningún momento. Todo el previo a las actuaciones se basa en la vertiente más "reality nostálgico". Ni una nota de música. Ni un músico más que los 7 protagonistas. Pero eso no es lo peor.

Lo más lamentable del asunto (de ahí el título del post) es que la banda no obtiene el menor crédito. Nadie los menciona, a duras penas algún liviano agradecimiento del estrellado al final de la actuación, pero nada más. Nadie los presenta. NO APARECEN NI EN LOS CRÉDITOS FINALES.
Ni siquiera en la web oficial del programa. Nada. El asunto en sí ya es grave para un programa pretendidamente musical, en el que los protagonistas se pasan las horas presumiendo de su amor y dedicación a la música. Pero encima hay que sumarle que los músicos de la banda son profesionales de un nivel altísimo, profesionales que llevan muchos años sobre las tablas grabando y acompañando en directo a los mejores artistas del país.

Echando un vistazo rápido a las caras, se puede identificar la gorra habitual del guitarrista Osvi Grecco (Ariel Roth, Luz Casal, Miguel Ríos, Ana Belén...), Ricardo Marín en la otra guitarra (Miguel Ríos, Manolo García, Ariel Roth, Los Secretos, Raimundo Amador...), Marcelo Novati en la bateria (Alberto Spinetta, Mecano, Presuntos Implicados, Miguel Ríos, Miguel Bosé, Pereza, Amaral, Paulina Rubio, Serrat...), Marcelo Fuentes al bajo (Sabina, Pedro Guerra, Aute, Drexler, Pepe Habichuela, Tomatito, Duncan Dhu, Ketama...) y más que no alcanzo a identificar (aunque estamos cerca de acreditarlos a todos con la ayuda de unos amigos más "musicólogos" que yo).

Realmente es una lástima, porque el formato da el suficiente juego como para complacer a los diversos públicos a los que va dirigido. La ausencia de presentador en mi opinión es un acierto, la edición es ágil, innegable el valor de la música en directo, la reválida que supone para algunos participantes a nivel de popularidad (sin tener que entrar al trapo en programas más alejados de lo musical) también es digna... pero el equilibrio entre reality/musical no tiene el balance adecuado.
Con tan solo algún momento intercalado de cualquier ensayo o sesión de trabajo con los músicos, y por supuesto el crédito más que merecido de estos últimos, la cosa cambiaría bastante.

Pero así, tal como lo presentan y muy a mi pesar, me resulta lamentable.

Salimos: Ripollet Rock 2015

Por qué no se les da más cancha a festivales como este? Por qué no aparece más en los medios (ni aunque sea en los especializados)? Es gratuito, se hace a base de mucho esfuerzo y buena voluntad, y es precisamente por eso que merece más presencia... pero, un momento... no será porque los promotores de los grandes festivales (los que ganan pasta, y mucha) tienen copados los medios? Y digo copados, no capados, aunque probablemente sea más correcto lo segundo... En fin, ese es un tema delicado sobre el que tal vez algún día comente mis reflexiones y experiencias, aprovechando la libertad de no ser un medio(cre) como tal.

Pero al grano: Este ha sido (y me pesa en la conciencia) mi primer Ripollet Rock, y eso que ya van XXIII (23, para los de la logse). Y qué grata la sorpresa! Al margen del cartel, la organización, los precios de barra y merchan, el ambiente... todo en general, merece una muy alta nota. Y si a eso le sumas que vas a ver gratis a bandas como Alquimia, Iron Savior o Jorn, pues qué queréis que os diga... sólo puede uno tener buenas palabras para los señores de la Asociación Ripollet Rock, quienes además del festival, ofrecen una revista (fanzine de calidad, o sea, revista) gratuita y un programa de radio .
Es muy de agradecer que tanto en merchan como barras te reciban con buen rollo y sonrisas gente que trabaja por la cara, sin cobrar un duro, a diferencia de la "caraperro" que te sueles encontrar en otros conciertos de gente que encima se está levantando un jornal.

Pero vamos a lo musical, que para eso hemos venido.

Abrieron la velada los locales "Ron de Kaña". Aún con un ambiente muy familiar, dada la hora (niños con globos de Spiderman en primera fila?), descargaron su repertorio de rock urbano al más puro estilo Rosendo (no en vano el cantante lucía camiseta de Leño) incluyendo un guiño a Barricada. Debo reconocer que sólo los conocía de haberlos escuchado en Spotify antes del concierto, y me gustaron entonces, aunque en directo pierden puntos. No es por su sonido, tocan bien en vivo, las letras tienen su qué, a veces algo repetitivas las melodías pero eso ya le lleva el estilo en si. El problema es la actitud, o más bien, la falta de ésta. No es una cuestión de físicos, es una cuestión de seguridad, y los Ron de Kaña deberían moverse con más soltura y dejarse
llevar un poco más teniendo en cuenta la calidad que demuestran tocando. ¿Sabes cuando te lo pasas bien porque el que está en el escenario se lo está pasando bien y te lo transmite? Pues con ellos te tensas, y no es justo para ellos. En definitiva, hay potencial para más y mejor, lo que no quiere decir que lo que hacen ahora esté mal, ni mucho menos.

Y llegó el turno de Stained Blood, y los niños con los globos de Spiderman salieron corriendo. Reconozco que no puedo ser imparcial en esta parte de la crónica porque el estilo no va para nada conmigo. Será que me estoy haciendo mayor, pero lo cierto es que por más que sea un auténtico huracán en el escenario, si el cantante "no canta", algo me falta. Y repito, no hablo del grupo si no del estilo. Tampoco puedo hablar de las letras porque no logré entender ni una... pero la banda sonaba realmente bien, contundente, equilibrada, un autentico bloque sobre el que la voz hacia su trabajo. Stained Blood removieron al sector mas juvenil del publico que se lo paso en grande con sus "mosh pits", alguna vez organizados por el propio grupo (aun no, aun no... ahora!). Total, que los allí presentes entendidos en el genero parecieron disfrutar, por lo que asumo que la cosa estuvo bien, pero no me hagáis mucho caso. Ya sé, ya sé, es muy poco profesional, pero prefiero no hablar de lo que no conozco. Es poco profesional si tú quieres, pero bastante sensato, no?

Ya en prime time, pudimos ver al virtuoso nacional Alberto Rionda y sus Alqvimia. Una banda que (literalmente) se mueve alrededor de Rionda, quien permanece casi inmóvil agarrado a su guitarra, dando lecciones de técnica (cualidad de la que anda sobrado) aunque algo escaso de sentimiento. Cierto es que la mayoría de guitarristas "virtuosos" comparten el mismo mal (empezando por el mismísimo Yngwie Malmsteen) pero no estaría de mas que, habiendo ya superado un nivel de técnica admirable, empezara a preocuparse por humanizar un poco más su ejecución. En torno a su aspecto tranquilo y simpaticón (aunque no sea eso lo que cuentan de el algunos ex compañeros), se mueve como decía antes, literalmente, el resto de la banda. Rubén, un bajista con autentica actitud metalera, paseos y amplio abanico de posturitas (un espectáculo); Israel, un cantante que me arriesgaria a definir como un Bisbal del metal, por actitud y hasta por estilo, aunque acaba convenciendo porque realmente canta bien; Chez García saliendo del parapeto de su teclado con un keytar... mientras Rionda toca y contempla, como en otro plano. Quede claro que me gusto su show, su repertorio (que incluyo algún guiño al pasado de Rionda con sus Avalanch) y la ejecución: la verdad es que sonaron muy bien y dieron un buen espectáculo lleno de energía (chicos de Ron de Kaña, a eso me refería antes...), el público disfrutó de lo lindo cantando la mayoría de temas y entrando casi en éxtasis con los ecos de Avalanch... aunque (y eso es otra vez una cuestión del estilo, no de la banda) esos teclados me suenan en ocasiones a unos Camela acelerados.

Segundo plato fuerte de la noche, Piet Sielck: Iron Savior. Poco que decir de este hombre que cualquier aficionado al power metal alemán no sepa. Con el público un poco frío al principio, desgranaron su repertorio sin complejos, con la actitud de quien sabe que lo que hace no es magia, pero divierte. Lo que hace esta banda son puros estandards del power metal, las bases, la esencia. No tienen una Michael Kiske en la voz o un Kai Hansen o Timo Tolkki en la guitarra, ni siquiera un gran bajista o un teclista visrtuoso... ni falta que les hace. De hecho, aunque no conozcas ni uno de sus temas (que seguro que alguno sí conoces aunque no lo sepas) te divertirás igual si te gusta el power metal. Total, que acabaron cuajando una buena actuación, incluyendo versión final de Judas Priest que acabó de convencer a un público que ya hacía rato de había rendido a la evidencia coreando "heavymetal never dies" hasta la extenuación (o el aburrimiento, que lo poco agrada y lo mucho...).

Y para cerrar la larga y fructífera velada, un grande. Una de las mejores voces que ha dado el hard rock en los últimos (y no tan últimos) tiempos. Mr. Jorn Lande, un tipo curioso, cuanto menos en su actitud y en su puesta en escena. Presentó repertorio de su faceta en solitario (lástima, porque algo de "Drácula" o de su trabajo con Allen hubiera estado muy bien) aunque intercaló algún guiño a Masterplan y, como no, a su (y nuestro) ídolo Ronnie James Dio. El vocalista está en un gran momento vocal y, pese a que sigue recordando mucho a Dio y en ocasiones a Coverdale, ha logrado crear un sonido propio al que, como única pega, podría decirse que le falta un poquito más de recorrido tonal (aprovechar más los graves y trabajar un poco los agudos) para ofrecer un poco más de variedad, aunque como digo, ya es por hilar fino. Jorn se mueve de manera peculiar en el escenario... tiene presencia, no le hace falta mucho aspaviendo para resultar expresivo, y lo más

divertido, esa especie de "paradinha" que hace agarrado al micro, ese "pause", en el momento y con la duración justas para no resultar cómico... Otro cantar es el del guitarra Trond Holter, de quien he leido grandes elogios, y quien a mi entender no alcanza el nivel necesario para un vocalista cono Lande. Es un buen guitarrista, sin duda, pero en los solos (especialmente obvio en su momento en solitario en el escenario) hace gala de una técnica limitada que suple con velocidad, en ocasiones innecesaria. Un buen solo debe, además de ser técnicamente correcto, decir algo. Y los solos de Holter son puro fuego de artificio mojado. Velocidad sin control, técnica limitada, y poco o nulo mensaje. Repito, no es un mal guitarrista para una banda de otro nivel, pero no está la altura de un vocalista como Jorn. En cualquier caso, un gran concierto que a pesar de la hora y el cansancio del respetable, dejó un gran sabor de boca a todos (cierto es que un buen número de asistentes tenían esta actuación como objetivo de la noche).

Sólo me queda volver a felicitar a los organizadores por reunir un espléndido cartel y una notable organización en un evento gratuito, y por supuesto agradecerles la noche de rock que, en adelante, no me pienso perder. Eso sí, me llevaré la cámara réflex, porque las fotos con el móvil no hacen justicia...

Ripollet Rock XIII Edición.
28 Agosto 2015
Ripollet (Barcelona)

Eso sí es un regalo!

La Orquesta Sinfónica de Bacelona y Nacional de Catalunya (OBC) celebra su 70 aniversario.
Aquellos que al leer "nacional de Catalunya" sintáis el irreprimible deseo de mezclar la política en esto, por favor, abandonad la nave. Esto va de música. y este post más que otros, va de sentimientos, emociones, y sobre todo gratitud. Aquí no cabe otra bandera que la que forma un pentagrama. Dicho esto, continúo.

Para celebrar su aniversario, se les ocurrió dar las gracias a quien da sentido al trabajo de cualquier artista: el público. Pidieron a más de 200 de sus abonados que escribieran relatos sobre su experiencia como público de la OBC, y de todos ellos, sin ningún anuncio, seleccionaron a cuatro.
Esos cuatro privilegiados fueron "engañados" con el pretexto de una entrevista para televisión, cuando en realidad iban a recibir una de las sorpresas de su vida. En el vídeo podéis ver lo que sucedió. Sobran las palabras... especialmente con la chica del violonchelo. Están disponibles los subtítulos en castellano, a un click.



Y por favor, que nadie entre al trapo de algunos comentarios que hay bajo el vídeo en YouTube, que nada tienen que ver con la música, y menos aún con lo que representa. Todos tenemos derecho a tener nuestras ideas políticas (y también obligación de respetar las de los demás) pero eso no justifica que se mezclen con algo tan bonito como este vídeo.

Artistas de Portada · 3: Harvezt

De nuevo os traigo más un "revisionista" que un portadista en si mismo (pronto, pronto...).
Algunos tal vez lo hayáis visto ya porque hace unas fechas que inunda la red el trabajo de este ususario de Flickr del que bien poco sabemos. Pero como en la Guitarra de Papel no queremos ser menos (ni más), nos sumamos a la ola de admiración por esta colección que nos presenta Harvezt (que así se hace llamar), como decía, un usuario de Flickr que se ha tomado el tiempo y la "molestia" de recrear algunas de las más míticas portadas del rock pero desde un ángulo distinto. Concretamente, desde atrás. Mirad las imágenes y lo entenderéis en seguida.
Os pongo tres ejemplos, pero conste que son sólo para incitaros a visitar su Flickr, ya que lo justo es que las visitas por tan impresionante trabajo, se las lleve el autor. No he conseguido encontrar (por ahora) ninguna información sobre este artista, pero lo cierto es que parece dominar muchos estilos a juzgar por las versiones de algunas ilustraciones realmente complicadas. Originalidad y talento... qué más se puede pedir?
Podéis ver la colección completa que incluye portadas de Zeppelin, Springsteen, Bowie, Priest, Purple, Nirvana, Metallica, Floyd...  aquí.

Beatles - seltaeB

Iron Maiden - nediaM norI

Sonic Youth - htuoY cinoS

Artistas de Portada · 2: Halley Docherty & Bob Egan

Vale, pensaba escribir un artículo sobre Halley Docherty, que es un artista inglés que no hace portadas, pero que recientemente ha lanzado en su sección habitual del diario "The Guardian" una colección bastante curiosa de fotografías en las que mezcla imágenes de Google Street View con portadas de discos míticos, aprovechando el lugar donde fueron hechas la fotos de esas portadas, en una combinación cuanto menos curiosa (ver aquí). Ya lo había hecho antes con pinturas clásicas, y esta vez le ha tocado a las portadas de discos.

Abbey Road

Como decía, pensdaba escribir sobre ello, pero investigando un poco, me he encontrado una web que se ha ganado por derecho propio el puesto que debía ocupar Docherty.
Hablo de www.popspotsnyc.com, un website propiedad de Bob Egan (investigador de la cultura pop) donde podremos encontrar un buen puñado de fotografías sobre las localizaciones de portadas de discos, carteles de películas, o simplemente fotografías célebres, en las que veremos en cada caso fotos del lugar con comparativas y montajes que prueban la veracidad del dato, además de información escrita sobre el tema y algunos datos muy curiosos.
Realmente es una web que no te puedes perder si eres de los que disfrutan de los "making of" de las pelis, o de los documentales sobre cómo se grabó o gestó tal o cual disco u obra...

Ramones "Rocket to Russia" en la puerta trasera del CBGB

Como ejemplo, os dejo una de las (tantas) míticas portadas de Led Zepelin, en este caso del disco "Phisical Graffiti". Podemos ver la fachada original, nos explica cómo el disñador recortó una por una todas las plantas, ya que la fachada hace esquina y la compusieron como fachada frontal (recordemos como en esa época no existía photoshop, así que imaginamos a ese diseñador artesanal cortando a bisturí), y como curiosidades, nos cuenta que el videoclip de los Rollin Stones "Witing on a friend" fué grabado frente a la misma fachada. Podemos ver también a través de un enlace (este), cómo uno de los lectores de la página se encontró con el mismísimo Robert Plant (vocalista de Led Zeppelin) muchos años más tarde frente al edificio en cuestíón donde existe una tienda de tes con el nombre de "Phisical Graffittea".

Como veis, mucha docuemntación y muy curiosa, para portadas de gente como Bowie, Stones, Dylan, Zeppelin, Ramones, o películas como West Side Story o Desayuno con Diamantes, entre muchos otros.
Por favor, no os la perdáis!
http://www.popspotsnyc.com/

Parecidos Razonables · 2 : Gaga vs Madonna & Beach Boys vs Chuck Berry.

Os traigo la prueba sonora de que no hay nada nuevo bajo el sol. Veremos sendos plagios en toda regla, uno muy reciente y el otro, con solera. Porque ya ha pasado, pasa... y volverá a pasar.

Vamos con la actualidad: No es ningún secreto que Lady Gaga bebe de las fuentes de la diva del pop, Madonna. Ella misma lo ha reconocido abiertamente desde el inicio. Pero lo que hizo con su tema "Born this way" es poco menos que escandaloso... Cualquiera que haya vivido cerca de una radio a finales de los '80, recordará sin esfuerzo el "Express Yourself" de Madonna al escuchar el susodicho tema de Gaga, y es que resulta sorprendente que en los tiempos que corren, donde en la radio fórmula proliferan como champiñones los éxitos a base de samples de viejos hits, alguien de la relevancia musical y mediática de Lady Gaga, haya osado firmar este tema como propio. Y el caso es que lo mantiene! Lo más creca que ha estado de reconocer el plagio es reconociendo la gran influencia de madonna en su música. Y ya. Valiente sí que es, desde luego. Y qué dice Madonna a todo esto? Pues que muy bien, que me alegro, que vayas cantando lo que quieras que a mí no me hace falta ya más promo, y que paso de llevarte al tribunal. Así las cosas, visto que no ha habido pelea de gatas y que cada una mantiene su estatus en lo más alto del pop femenino, lo único que nos queda es comparar y quedarnos con la curiosidad, porque de ahí no va a pasar.

   

...y para corroborar que esto ha pasado siempre (intuyo que si indagamos en la música clásica, ya encontraremos casos), os traigo otro ejemplo acontecido allá por los primeros años '60.
El genial Chuck Berry había hecho moverse a medio mundo con su rock'n'roll, pero claro, un tipo desgarbado, tirando a feo, con esa mala reputación que tienen los rockeros, y para colmo de colmos, negro... Cómo podría la industria exprimir su talento de cara a la acaudalada y consumista américa blanca? Pues trasladándolo a un grupito de (entonces) jóvenes guapos y formales muchachitos, llamados Beach Boys. Tomaron el "Sweet Little Sixteen" de Berry y lo transformaron (poco) en "Surfin' U.S.A.". Magia. Lo mejor del asunto es que pese a que Berry ganó la demanda y su nombre aparece en los créditos del "Surfin", los dos temas coexisten desde entonces en los anales del rock, ambos en muy alta posición de popularidad. A estas alturas, ya solo nos queda disfrutarlos. Aunque, qué queréis que os diga... yo sigo prefieriendo al viejo Chuck...

  

Salimos: Gamma Ray en Barcelona · 3 Abril 2014

Juanjo Sotoca es escritor. Siempre ha estado vinculado a la música (en radio como locutor, en prensa como fotógrafo). Resulta lógico pues, que tras disfrutar de un gran concierto, sienta la tentación de contarlo pluma en mano... y aquí está el resultado. Una personal crónica de lo sucedido en la sala Apolo II de Barcelona la noche del Jueves 3 de Abril de 2014. Una vez publicada en su blog (que os recomiendo si os gusta la lectura, y si no también), ha tenido la generosidad de compartirla con La Guitarra de Papel. La primera colaboración, y espero que no la última! Gracias.

Pedazo concierto de los alemanes Gamma Ray en la sala Apolo de Barcelona. Día lluvioso y raro en la ciudad. Por primera vez en mi vida iba a ir a un concierto solo, caminaba cabizbajo con las manos en los bolsillos de mi chaqueta nueva, mojándome por el chispeo de la lluvia. Me dirigía al metro, un par de paradas y allí me esperaba el "Carrer Nou de la Rambla"  y una sala mítica, la Apolo, nueva para mi. Todas mis dudas al respecto sobre el recinto quedaron borradas cuando entré, una distribución genial y más tarde comprobé que la acústica es mucho más que aceptable, siempre y cuando al grupo que toca no se le vaya la "pinza" con los decibelios, cosa que no ocurrió.

Primero y antes que nada vuelta de rigor por el local para saborear el ambiente y empaparme de esa magia que tienen los conciertos, cosa que hizo que ya no me sintiera solo. Paradita de merchandaising bien situada, a un lateral al principio de la sala, bastantes cositas de los dos grupos, el precio era decente y asequible, pero en los tiempos en que estamos podían bajarlos un poquito más, cosa que haría que la gente no se "pillara" las cosas piratas de la calle, aunque compensa que la entrada no era "cara" para lo que corre ahora.

          Faltaba poco para que empezaran los italianos Rhapsody (of fire) y aún no estaba lleno, me fastidiaba ver aquello ya que tengo en gran consideración a ese grupo que en los noventa supo unir el heavy con la épica cineasta, con grandes himnos. Arrancaron puntuales en un escenario que se les quedaba pequeño pero supieron aprovechar ese espacio para deleitarnos, supieron escoger los temas para el poco tiempo que tienen los teloneros. Mi alegría fue ver desde el lateral donde me situé cerca del guarda ropa con cerveza en mano (4'50 euros medio litro.... pica un poco) que la sala se iba llenando. Fabio Lione estuvo en contacto con los presentes en todo momento, hablando en castellano, animando, haciéndonos cantar y corear, jugando con nuestras voces y con la suya. Por suerte Fabio no desafinaba y llegaba a todas las notas (mal recuerdo de otro concierto), he de reconocer que me emocioné con su canción en italiano Lamento Eroico, y gran momento cuando tocaron Dawn of victory. Alex Staropoli (teclado) y Roberto De Micheli (guitarra) nos ofrecieron unos duelos muy interesantes, buen guitarra nada que envidiar al gran Luca Turilli pero a los nostálgicos como yo lo encontramos a faltar. El quinteto lo cierran Oliver  y Alex Holzwarth, bajo y batería respectivamente.

        Presentaron un tema nuevo Dark Wings of Steel que Fabio nos presentó como "proyecto nuevo"... una de las cosas que se puede sacar del tema es en la guitarra, a mi parecer De Micheli deja su huella y su estilo, así se aleja de posibles comparaciones.         Acabaron con un clasicón, Emerald Sword que me hizo recordar porqué era mi banda favorita. Enloquecimos con la canción y fue el broche de oro a una actuación espléndida. En general no abusaron de los adornos orquestales lo que hizo que se apreciara más al grupo y la voz de Fabio. Muy buen concierto de los italianos que se despidieron como los grandes, etrelazados y saludando al público recibiendo la ovación que se merecen.

Foto: Juanjo Sotoca (con móvil desde platea)

            Y se hizo la luz, como preludio de lo que se nos venía encima, nervios, agitación, viajes a la barra. El equipo de los Gamma Ray se movían por el escenario, quitando, poniendo, haciendo pruebas de sonido, un tipo cogió una guitarra y la probó, pedazo de solo se "calzó", lo despedimos con unos aplausos más que merecidos. Todo preparado. Oscuridad. Entonces ocurrió, lo que todos los presentes estábamos esperando, deseando...las notas de Welcome y la locura se apropió de nosotros, un éxtasis de heavy nos envolvió, a mi me hizo retroceder más de veinte años cuando por primera vez escuché la intro y en mi corazón musical tatué el nombre de los alemanes por siempre. Enlazaron con Avalon tema que abre su nuevo CD, quizás no es un tema para abrir un concierto ya que empieza muy tranquilita pero hay que reconocer que es una grandísima canción, que poco a poco te va metiendo en lo que será un conciertazo de heavy metal. Se atrevió el sr Hansen a cantar Heaven can wait, muy listo, sabe que es complicada y la toca la segunda con la voz calentita pero no desgastada aun por el esfuerzo. Los Gamma Ray nunca me dejan de sorprender, Kai que es uno de los mejores guitarras y compositores de heavy metal de las últimas tres décadas, estaba pletórico de voz y energía, interactuando con nosotros, haciéndonos participar, comunicándose, demostrando un buen feeling con los suyos no como banda sino como amigos. Siguió el recital con Hellbent, otro temazo nuevo, cañero, puro y duro...para no dejarnos respirar y acompañarlo en los coros, la gente cantaba pero claro llegó Tribute to the Past y los incondicionales estallamos duplicando nuestras fuerzas para alabar un tema clásico del Insanity and genius, para mi uno de los mejores trabajos de los alemanes. Obviamente Kai no intentó alcanzar el registro de Ralf Scheepers pero defendió bien el tema. Cuando parecía que habíamos llegado al máximo de nuestras fuerzas para defender lo que nos ofrecían, arrancaron con I want out, tema mítico de los Helloween dificil para su registro pero...y que???? la ha de tocar y compartir con nosotros sus fans...simplemente acojonante...les reconocimos su merito coreando "happy happy gamma ray"...y lo que me encantó...la cara emocionada de Kai al oirlo (si, estaba cerca como para apreciarlo jejeje).

            Henjo musicazo como pocos, repartía vasitos de agua a quien se acercaba y le alargaba la mano, brindaba, saludaba...con Kai se divertían y nos hacían partícipes...se "pegaban" sus solos y sus "piques" de una manera natural y soberbia, con Dirk...bueno son amigos desde hace mogollón se nota, le da ese protagonismo que se merece, en medio de la canción al igual que en el video original Dirk empuja a Kai, este se gira sorprendido se ríe deja de tocar y cantar para señalarlo, sigue con el tema, que no pare la diversión!

            De vuelta a su nuevo trabajo, Pale Rider y Time for deliverance, no tienen desperdicio, la primera más radical con la voz de Kai llevada al extremo con un estribillo que se deja acompañar. La segunda una medio tempo, semi himno, no se si será de las imprescindibles en sus futuros directos pero a mi personalmente me apetece que si. Tiene ese ímpetu que te hace coger aire para cantar y bailar suavemente alzando los brazos con un mechero y porque no abrazarte a la persona que tienes al lado (en mi caso ayer no pude, tenía novio y era muy grande, y al otro lado era un tipo muy feo jajaja). Después de relajarnos un poquito con este tema llega el solo de Michael Ehré (ex-Metalium), el batería, el nuevo, el novato....en tiempo porque parece que lleve toda la vida con la banda, arropado por los veteranos...genial, un solo brutal, para nada se hizo pesado, en algunos momentos daba pie para menear el cuerpo, hizo jugar a la gente, nos dejamos las cuerdas vocales a su petición de "más, más"...con un final sorprendente...Le siguió lo que parecía un solo de Dirk pero se quedó en unas pocas notas, se acercó al micro y nos anunció el siguiente tema Blood Religion, se recrearon con este tema del álbum Majestic y nos hizo participar, cantamos el estribillo, jugando con la sala, de izquierda a derecha y viceversa. Una vez más somos parte del show.

Imagen Promocional

            Damos paso a su Master of Confusion (single promocional), le sigue el tema que da nombre a su nuevo trabajo Empire of the undead, muy buenas canciones que dan fuerza y continuidad al estilo de los germanos.

            Repasando los clásicos hizo un guiño a su obra maestra Land of the free con tres temas seguidos y casi enlazados, que nos dejaron extasiados, con Land of the free yo creo que se alcanzó el punto de inflexión entre el pasado y el futuro, cambio de formación, Kai toma las riendas de la voz, Dirk deja la guitarra para ocuparse del bajo, las nuevas incorporaciones no solo son sustitutos sino que tienen un peso en la banda, la influyen, una apuesta arriesgada que resultó una reafirmación como banda de heavy metal europeo y mundial. Los temas escogidos Rebellion in Dreamland, Land of the Free y Man on a Mission, increibles, la apoteosis se apoderó de la sala Apolo.

           Entonces dicen que se van, "gracias Barcelona"...mentira, lo saben y lo sabemos, queda algo todavía. Pero les damos respiro. Coreamos el nombre del grupo, se gritan oeess oooeeeessss, se aplaude, se silva....y de nuevo el extasis cuando el quinteto toma posiciones y como si de una batalla se tratara se aferran a sus instrumentos para atacarnos con, To the Metal, no sin antes preguntarnos que música nos gusta, pregunta el Rap, el tecno....no no noooooo!!! se ríe, hace participar al grupo de forma natural, se están divirtiendo y nos lo hacen pasar bien...flamenco? nooooo "flamenco is good", imagino que tiene en mente a gran Paco de Lucia, pop? dance? y al fin lo suelta: heavy fucking metal!!???? y nos volvemos locos una vez más, cuando suenan las notas de ese himno a la música que nos encanta, Hail, to the metal!!! hail heavy metal!!! Y para cerrar? pues nada más y nada menos que Send me a sign de un brutal álbum llamado PowerPlant camiseta que yo lucía ayer de la gira que hicieron por allá a finales del milenio. Que buscan? que señal quieren?, los que allí estábamos lo teníamos claro, la nuestra, nuestros aplausos y gritos de admiración por lo que vienen haciendo desde hace tantos años.

        En resumen con su nuevo trabajo han demostrado que pueden seguir muchos años más, con pinceladas nuevas pero manteniéndose fieles a su estilo, manteniendo a los viejos fans pero teniendo hornadas nuevas de chavales que les apasiona el metal, quién sabe quizás de aquí pocos años me acompañe mi hija que ayer antes de salir de casa me cantaba ese estribillo que dice "gamma ray gamma ray gamma gamma ray"(Insanity and genius). Un concierto de 11 sobre 10 sin duda alguna, se nota que Gamma Ray vive para y por los escenarios, se divierten sobre ellos y nos hacen participar, es lo mágico y grande que tienen los conciertos si la banda pone la chispa. En continuo contacto con los fans para que nos sintamos parte del show. Ayer al final no estuve solo, éramos varios cientos de personas que nos unía algo, ese algo es tan grande como la música y la pasión que sentimos por ella, y gracias a bandas como Rhapsody of fire y Gamma Ray hacen posible que la magia jamás muera. Así pues Hail to the Metal...forever!!! gracias Kai, gracias Gamma Ray....

Juanjo Sotoca

Barcelona, 3 de abril sala Apolo

Salimos: Blues & Ritmes 2014 (Editada)

Poco falta ya (será en Marzo y Abril) para que el festival Blues & Ritmes de Badalona llegue a su 25 aniversario. Durante este cuarto de siglo de vida han desfilado por los escenarios de Badalona artistas de la talla de Albert King, Screamin' Jay Hawkins, Carlinhos Brown, Jimmie Vaughan, Randy Newman, Rosanne Cash o Nick Lowe.

Pese a abanderar su nombre con el blues (aunque con el comodín del "ritmes"), el resultado es un ecléctico abanico de sonidos que acostumbran a pasar también por el jazz, el country o el folk, siempre con una fuerte presencia de sonidos de raíz afroamericana (los nombres propios de difícil pronunciación son una constante en sus carteles). El resultado resulta atractivo tanto si pretendes descubrir nuevas sonoridades (en directo es como mejor puede uno paladear nuevos sabores) como si alguna de sus a menudo minoritarias propuestas encaja con tus gustos habituales. Aunque lo mejor (a mi juicio) del Blues & Ritmes es la fidelidad a su propio criterio. Es fácil ver como algunos festivales (véase el Guitar Festival BCN) incluyen, con cada vez más descaro, nombres extremadamente comerciales que poco o nada tienen que ve con la propuesta inicial, con intenciones obvias (de toda índole salvo musicales).
Nuestro Blues & Ritmes no es de esos. Sacrifican la popularidad en pro de ofrecer al público más exigente conciertos que, de no ser por este festival y algún que otro promotor loco, dificilmente veríamos por estas tierras. Y eso en los tiempos que corren, para quienes amamos la música, vale mucho más que cualquier macro concierto patrocinado por los 40.

Para este aniversario nos ofrecen una propuesta de 4 noches (una por semana, a diferencia de otros años) en las que podremos ver sobre el escenario de los teatros Zorrilla y Principal, por orden de actuación, a Jesse Winchester, Fred Wesley & the New JB's, Bassekou Kouyate & Ngoni Ba y Matthew E. White.
Jesse Winchester es la propuesta folk de este año, un veterano cantautor americano que disfrutó de gran aceptación en los 70, y que actuará en exclusiva no solo nacional, si no europea. Fred Wesley es, para mí, el plato fuerte del cartel. El también veterano trombonista que se forjó junto a nombres como James Brown, Count Bassie o Ike & Tina Turner, propone un sonido jazzero con tintes de blues cargado de energía y buen gusto. Bassekou Kouyate & Ngoni Ba representan el momento más "world music" de este año, con su fusión de rock y blues con sonoridades propias de su Mali natal. Por su parte, Matthew E. White es el artista con mayor proyección de futuro, americano de difícil etiquetaje (indie, con tintes folks, algún toque de soul suave y algo de country sureño... tal vez).

Si a todo lo comentado le sumamos los precios populares (y el abono especial para esta edición debido al aniversario), el resultado debería ser cuanto menos apetecible. Podéis consultar fechas, lugares y precios en la web del festival, http://bluesiritmes.wordpress.com (está en catalán pero contiene versión traducida).
Vamos, que luego nos quejamos de los palos que recibe la cultura en estos tiempos, y coincidiréis en que la mejor manera de contrarrestar este maltrato es apoyar las inciativas que se presentan... pues esta, sin duda, es una oportunidad de las buenas!

ACTUALIZACIÓN:
Finalmente Jesse Winchester cae del cartel dejando paso a Howe Gelb, apto para los amantes de las voces y letras más profundas. No son necesarios los zapatos de baile para este concierto, sí en cambio para la sorpresa (para mí, la más grata) del festival, y es que el 2 de Mayo actuarán de forma gratuita en la Plaça de la Vila los instrumentales Mambo Jambo del incombustible saxofonista Dani Nel·lo. Swing, Surf, Rhythm & Blues, Rock'n'Roll... fiesta garanizada!

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Artistas de Portada 2 : Quién diseñó el logo de los Ramones?

Se llamaba Arturo Vega. Nacido en Chihuahua (México), murió en NY este año pasado a los 65.

Conoció a Dee Dee (y con él, al resto de la banda de Punk Rock más famosa de la historia) en Nueva York, donde vivía muy cerquita del mítico CBGB (la sala de conciertos más emblemática de la movida underground neoyorquina). Entonces luchaba por abrirse camino como artista gráfico mientras sobrevivía fregando platos o haciuendo cualquier otro trabajo que le rentara unos dólares.

Así, se convirtió de inmediato en el técnico de luces de la recién formada banda, y por supuesto, también en el diseñador de cabecera de los Ramones. Al margen de su trabajo en los discos (diseños, fotografías, etc), lo que nos ocupa hoy es uno de los logos más famosos del rock. No fué una carísima agencia de marketing, ni un acomodado diseñador cool-moderno-underground quien lo hizo. Fue él, un mexicanito con pocos recursos y muchas ganas.

Mezcló la imagen de una hebilla de cinturón que solía vestir entonces, con la de la moneda de dólar de Eisenhower del 72, y su extraña afición por la imaginería militar "hard" (más tarde crearía una polémica colección basada en esvásticas que justificaría diciendo que " el bien no existe hasta que nos enfrentamos al mal y lo derrotamos. Y la mejor manera de derrotar al mal es haciéndole el amor, convirtiéndolo en algo hermoso"). A todo ello le añadió la famosa águila, de la que argumentaría que es un animal majestuoso que "no hace estupideces como chuparse los huevos, como hacen los leones". Como veis, toda una perla el amigo Vega.
La versión definitiva del logo llegó tres años después, en el 76, y con el tiempo se ha convertido en una de las imágenes más icónicas de la imaginería pop, probablemente junto a la lengua de los Rolling, la "S" de Superman, la Marilyn de Warhol o el clásico I love NY.

Lo cierto es que al margen de su trabajo con los Ramones, poco más hizo de relevancia este artista gráfico salvo convertirse en la máxima autoridad en materia Ramonera (22 años pegado a ellos lo concierten en experto). Pero, amigos, cuántos diseñadores de éxito y con toneladas de trabajo a las espaldas no hubieran cambiado toda su carrera por crear ese logo...!

M-Clan: Que sí, que son un grupo de rock!

Estamos de acuerdo que tener presencia en los medios (sobre todo radio y TV) ayuda, o es más bien imprescindible, para vender. Y estamos de acuerdo que vender es la clave de todo negocio y de que la música, a demás de un arte debe ser también eso, un negocio, si el artista no quiere morir de inanición. Pero para un grupo de rock es un arma de doble filo. En la cara "A" tenemos que te permite acceder a un público mucho más amplio, y que parte de ese público que no se enmarcaba en el sector "rockero", lo acabará haciendo gracias a tu música. En la cara "B" tenemos que para poder acceder a esos medios, es condición casi imprescindible ofrecer la cara más comercial de tu música. Y eso para los grupos de rock es... delicado cuanto menos.

Por supuesto, estoy resumiendo mucho, muchísimo las condiciones y consecuencias de asomarse al escaparate. Al final, todo depende de si el músico es más músico que "business man" o viceversa. He visto en TV y escuchado en la radio (en emisoras fórmula, claro) grupos que jamás hubiera imaginado encontrar ahí. Algunos ha sido visto y no visto, y han regresado a sus raíces minoritarias pero fieles, y otros han vendido su alma al billete fácil con mayor o menor éxito. Pero de vez en cuando aparece algún grupo que, oh sorpresa, encuentra la fórmula mágica de la compatibilidad. Y ahí están los murcianos M-Clan.

Imagen extraída de la página de Facebook de M-Clan https://www.facebook.com/mclanmusic

Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez, junto a la prole de músicos que les han ido acompañando, lo han conseguido. Cierto, con algo de irregularidad y riesgo, pero han conseguido gustar casi por igual a rockeros y público, llamemosle, estándar. No hay más que ver quién asiste a sus conciertos, mezcla de niña fan abonada a los 40, con rockero veterano que pasa de los 40 (principales y años). La última vez que los vi en directo, mi propia hermana (que también venía) me preguntó "Cómo vienes a ver a éstos, si no son de tu rollo? (rockero, se entiende)"... al tercer tema me estaba dando la razón "Vale, son un grupo de rock" mientras bailaba como loca. Y es que a pesar de sonar en la radio desde hace tiempo con temas como "Carolina" o "Sopa fría", la esencia es eminentemente rockera y se queda patente tanto en la mayoría de sus temas, como en su sonido en directo.



Sí, son un grupo de rock. Se nota (sobre todo) en sus primeros discos, y se nota también en la esencia de sus últimos trabajos. Saben vender y conservar su esencia. Que sí, que no todo el monte es orégano y tienen más de un delito que purgar (en lo musical, que se sepa), pero han conseguido un delicado equilibrio. Y es digno de admiración cuanto menos.

Tarque es una de las mejores voces rockeras nacionales ahora mismo (hay que reconocerlo al margen del personaje que representa... le entrevisté hace algún tiempo y permitidme que me reserve la impresión que me causó) y si no pierde el equilibrio en la balanza, se pueden convertir un un clásico del rock popular de estas tierras. SI visitan vuestra casa, no dudéis en ir a verlos. Sea cual sea vuestra tendencia musical (entre el pop y el rock), lo pasaréis bien.

http://www.m-clan.ws

Adiós, Babi Floyd.

12 de Junio de 2013.

Muere Babi Floyd por culpa de la plaga de nuestros días, el cáncer.
Yo no sabía quién era, como mucha gente, hasta que lo descubrí gracias a su amigo el "stone" Keith Richards y sus X-Pensive Winos. Keith publicó en 1992 su segundo trabajo en nombre propio, fuera de sus Rolling Stones, titulado "Main Offender", en el que se arropaba con un puñado viejos amigos suyos, los X-Pensive Winos. Keith era el vocalista, pero con unos coros de lujo, entre los que se encontraba el amigo Babi. Personalmente, fue con el temazo "Hate it When you Leave" que descubrí la voz de Floyd.



Babi Floyd fue, además de segunda voz de Richards en ese disco y su consiguiente gira americano-europea, previa al "Voodoo Lounge" de los Stones, "corista" de lujo en gran cantidad de álbumes de gente como Billy Joel, Sly and The Family Stone, Bette Midler, George Benson, Spin Doctors, The Faulous Thunderbirds, Irene Cara, Nina Simone, entre otros, incluyendo la banda sonora de la imprescindible película "The Commitments".

Un trabajo duro para un vocalista, siempre a la sombra de las grandes estrellas, lejos de los focos, que de vez en cuando da pié a carreras estelares en solitario (de eso hablaremos otro día), pero más importante de lo que parece (cuántas estrellas dejan de brillar si les quitas sus coros...), que curte mucho, y que resulta mucho más apreciado y valorado dentro de la profesión que para el gran público.

Una de las últimas apariciones, si no la última, en público de Bobi Floyd fue el pasado 17 de Mayo, en la 12th Anual Jazz Foundation Gala, visiblemente desmejorado, donde interpretó sin apenas aliento "All Alone". Antes de cantar, se permitió un discurso que os dejo a continuación (texto y video en inglés) en el que nos deja algún consejo al que deberíamos hacer caso.

Descase en paz Babi Floyd.


"This is a song I wrote with Charlie Drayton. It's called "All ALone" and it's about knowing that the world doesn't owe you anything. You have to get out and earn it. Quincy Jones, "Q" labeled me, back in the day, as one of the New York Super Singers, because we could sing anything, any style, anytime, as long as you had...the check! 

That said, without the acknowledgment and support from your peers, your comrades, your loved ones, there's no vehicle by which you can get your contribution out there, for all to do with, what they will. 

So I am so glad to have had a hand in giving back the love I have received. And I hope I was able to give half as much as you have given me. 

My final thought..is just this, people, let's just keep loving each other. That's the only message that counts. Life is entirely too short, and you never know, when the head bartender is gonna say, "You don't have to go home..but you can't stay here"

So, live love and I thank you again, from the depths of my soul"

Perversiones 3: Pat & Paul

A lo grande. Hoy no os traigo dos temas a comparar... hoy vamos a lo grande.
Os propongo escuchar dos discos enteritos. Ambos son de dos grandes artistas (al margen de si te gusta el género que acostumbran a hacer o no) que un buen día decidieron versionar temas de rock adaptándolos a otros aires más jazz o swing:
Estamos hablando de Pat Boone y Paul Anka.

No voy a entrar a explicaros vida y milagros de cada uno de ellos, pues son nombres de sobras conocidos, y lo suficientemente populares como para que podáis encontrar sus biografías en cualquier rincón de internet, como por ejemplo, sus páginas web oficiales ( http://paulanka.com y http://www.patboone.com ). Sí debo aclarar, para quienes no los conozcáis, que sus estilos distan mucho (pero mucho) de los temas que versionan ambos en los discos que hoy os presento.

Pat Boone "In a Metal Mood: No More Mr. Nice Guy" (1997)
Haciendo referencia al tema de Alice Cooper, un venerable Mr.Boone de 64 añazos se lanzaba a versionar heavy metal. No está mal. Cabe destacar que los mayores éxitos de Pat en su gran momento fueron precisamente versiones, pero de temas más cercanos a su estilo, ciertamente.
En "In a Metal Mood" podemos escuchar variaciones de prácticamente todos los grandes clásicos del rock más duro: Judas Priest, Deep Purple, AC/DC, Van Halen, Alice Cooper, Nazareth, Metallica, Dio, Guns'n'Roses, Hendrix, Ozzy y Led Zeppelin. Acerca los temas a un estilo muy de Big Band, con momentos realmente brillantes como "It's a long way to the top (if you wanna rock'n'roll)" de AC/DC, a mi gusto muy bien resuelta, o "Crazy Train" de Ozzy Osbourne, que sirvió en su día como tema de cabecera del reality que perpetró el propio Ozzy con su familia, "The Osbournes".
Sin embargo, el disco resulta irregular en general, y algo pesado por momentos (aburridísima "Love Hurts", y decepcionante "Stairway to Heaven" a la que claramente no llega a pillarle el punto).
En fin, cuanto menos, curioso el experimento... aquí os lo dejo.



Paul Anka "Rock Swings" (2004)
También con 63 añitos, se lanzaba el Sr.Anka a regalarnos su visión de unos cuantos clásicos, esta vez menos metaleros. Con rock y pop casi a partes iguales en el repertorio, "Rock Swings" resulta mucho más interesante que su predecesor de Pat Boone. Mientras que el anterior está bien como curiosidad pero no va más allá, este cuida mucho más las adaptaciones, y da un salto cualitativo en cuanto a la orquestación y la interpretación vocal, al margen de la producción, algo lógico pues no en vano distan 7 años entre ambas grabaciones.
El temario abarca clásicos como Survivor, Van Halen, REM, Oasis, Soundgarden, Bon Jovi, Pet Shop Boys, Spandau Ballet, Nirvana, Lionel Richie, Billy Idol, The Cure, Eric Clapton y hasta Michael Jackson. Como véis, más variado (por lo cual, el nombre del disco se me hace un poco injusto).
Mis favoritas, sin duda, "It's my life" de Bon Jovi y "True" de Spandau Ballet. En general interesante, aunque tal vez sobre alguna (muy prescindible la versión de Michael Jackson, con la de opciones y posibilidades que tenía con él), y en otras se la haya ido la mano con la adaptación (si te pones el principio de "Tears in Heaven", no la reconoces en un millón de años).
En resumen, mejor que "In a Metal Mood" pero sin llegar a obra maestra... para pasar un ratito. Aquí lo tenéis.


NOTA: Estos discos funcionan muy bien como música de fondo en una cena tranquila con amigos si rondas una edad superior a los 35...

Perversiones · 2: Hurt

Trent Reznor es uno de aquellos gurús modernos (aunque cada vez menos, lo de moderno, digo) que lideró la "revolución" del rock industrial allá por los últimos años 80 con su banda NIN (Nine Inch Nails). Reconvertido en productor, ha colaborado en multitud de proyectos musicales incluyendo bandas sonoras de películas y hasta videojuegos. Es uno de aquellos personajes "marginales" considerados como "muy influyentes" (difícil combinación).

Si queréis más información sobre este señor, tirad de Wikipedia o San Google, que hay ríos de tinta (de pixels, más bien) explicando sus múltiples hazañas y virtudes. En fin, opiniones para todos. Para mí es un artista, como muchos otros, sobrevalorado, repetitivo e injustificadamente encumbrado a tótem de una generación. He dicho (que vayan pasando los tortazos de sus incondicionales, pero uno a uno, por favor).

Pues bien, en 1994 lanza el álbum "The Downward Spiral" con sus NIN, en pleno momento de hundimiento personal tras la trágica muerte de un amigo, combinada con una súbita e indigesta fama que le arrastra a una espiral de sustancias ilegales, ruptura social y pérdidas de fe, etc, etc. (muy épico todo), y en ese disco (al cierre del mismo) incluye un tema llamado "Hurt", que expresa con una letra dura y directa por el momento que está pasando el bueno de Trent.

Al Cesar lo que es del Cesar: la letra es muy buena, y tiene una de las mejores entradas que he leído en años... "I hurt myself today, to see if I still feel. I focus on the pain, the only thing that's real" ("Me he herido a mi mismo hoy, para ver si aún siento. Me concentro en el dolor, lo único que es real"). Pero amigo, la música se me hace un poquito... cansina.

Saltemos en el tiempo (Boinng!!!!). Ahora estamos en 2002. El mítico (este sí, de verdad) Johnny Cash publica su último álbum en vida "American IV: The Man Comes Around", que incluye versiones de temas diversos (desde este Hurt hasta el Personal Jesus de Depeche mode, pasando por Sting, Eagles o Beatles). Pero es con el "Hurt" de Reznor, y especialmente con su premiado videoclip (dirigido magistralmente por Mark Romanek) con lo que Cash demuestra su grandeza. Convierte la sieniestra y lastimosa melodía de NIN en un tema despedida de proporciones inalcanzables. Sin cambiar una palabra de la letra (bueno, sí, una, ver más abajo en curiosidades), le da un nuevo sentido que se entiende perfectamente viendo el video donde repasa su vida. Fue su último vídeo y su último éxito. A esto se le llama salir por la puerta grande.

En lo musical, deja de lado la parte más "inquietante" de la composición de Trent Reznor para convertirlo en un tema folk rock acústico, donde la carga dramática se apoya en la cansada y sincera voz de Cash. Mucho más creíble sin duda que la pomposa y melodramática interpretación de NIN.

Curiosidades: 1 - La esposa de Cash, que aparece en la foto que él mira en el vídeo, fallecería solo unos meses antes que él. 2 - La única palabra que cambia en la letra es en esta frase: NIN version "I wear this crown of shit" (llevo esta corona de mierda), Cash version "I wear this crown of thorns" (llevo esta corona de espinas).Y la última (y os dejo con los videos) 3 - El propio Trent Reznor declaró que desde que escuchó la versión de Johnny Cash, no ha vuelto a escuchar la suya propia. Y la verdad, no me extraña.

Letra traducida aquí: http://www.musica.com/letras.asp?letra=1313657

Bruno Mars: Aún hay esperanza para el Pop.

El pop nunca ha sido mi género favorito. Cumple su misión (en la mayoría de los casos) que es entretener, incluso hacer bailar, pero constantemente echo a faltar ese plus de calidad, de "feeling", de algo más.

De hecho, cuando se da uno de aquellos casos especiales en los que un artista pop destaca por encima de los demás, suele ser porque en su música puedes encontrar trazas de muchas otras. Mira Michael Jackson, sin ir más lejos, el "Rey del Pop": Repasando sus éxitos encuentras desde soul o disco (muy obvio) hasta reggae, jazz e incluso rock (del duro, que no en vano fue su guitarrista durante bastante tiempo la virtuosa Jennifer Batten, y colaboraron cn él rockeros de la talla de Van Halen o Slash). Sin dejar de hacer pop, lo vistió con el glamour de otros estilos. Y eso (sumado a otros ya míticos factores como su forma de bailar o su peculiar "way of life" entre otras cosas) fue lo que le dio ese toque especial a su música. Pero claro, Jackson solo hay uno.

Lo cierto es que buceando un poquito en el panorama pop, es fácil preveer cómo la mayoría de artistas que lo pueblan no perdurarán en la memoria del público más allá de dos, a lo sumo tres discos. Pero de vez en cuando, muy de vez en cuando, asoma la cabeza algún talento que te rompe los esquemas. Y a mí me los ha roto el hawaiano Bruno Mars.

Peter Gene Hernández (que así se llama el amigo) escribe, compone, produce, canta y toca la guitarra. Y lo hace bien. Al igual que Jackson (del que se reconoce, y se nota, admirador) se surte de un buen abanico de estilos en su música. Y como parece ser que tampoco es tonto, produce sus discos de manera que en la radio suenan con el punto comercial justo para la fórmula, y en directo adquieren un aire más de banda de club, sin necesidad de samples ni dj's salvando la papeleta. Y en ambos casos suena bien! Sabe cantar sin necesidad de las excesivas florituras con que adornan sus pobres composiciones algunos/as otros/as, no necesita ir de guapo de turno a lo Bieber ni lo hace, y siempre que aparece en TV y le dejan, actúa en directo (sin playback). Y eso hoy en día, se agradece.

Con sólo dos discos ("Doo Wops and Hooligans" (2010) y "Unothodox Jukebox" (2012)) se ha colocado en lo más alto a nivel internacional. Single tras single, se ha colado en todas las listas de éxitos del mundo consiguiendo unos cuantos premios importantes (dos Grammies, un Billboard Music Award, dos Teen Choice Awards, un Brit Award y otro Soul Train Award).

Como curiosidad os contaré que el batería de su banda es su propio hermano (provienen de una familia plagada de músicos), y que apareció en la película "Honeymoon in Vegas" junto a Nicolas Cage haciendo de un joven Elvis.

Y como el movimiento se demuestra andando, os dejo dos vídeos en directo: El primero de su último single, la balada "When I Was your Man" donde demuestra su calidad como vocalista (esperad a la segunda mitad del tema...) y el segundo de un mini concierto para la BBC Radio 1 donde demuestra que tiene un directo divertido y cercano, y hace gala de sus variados gustos llegando a hacer hasta una versión del "Fire" de Jimi Hendrix. Disfrutadlos!

Artistas de Portada · 1: Máximo Moreno

Que el salto de vinilo a cd ha hecho mucho daño a los artistas gráficos que trabajan en el sector musical es algo que resulta obvio. Que la progresiva desaparición del soporte físico para la comercialización de la música representa un futuro oscuro para ellos, es también indudable. Al menos, para los más tradicionales (siempre habrá un hueco para las nuevas formas de promoción gráfica digital). Pero como diría aquel, "que nos quiten lo bailao"... y es que la era del vinilo ha dejado auténticas obras de arte en forma de carpetas que no siempre contenían grabaciones a la altura de sus portadas.

Desde el surrealismo en las cubiertas de Pink Floyd (entre otros) del recientemente fallecido Storm Thorgerson, hasta la espectacularidad de las ilustraciones del Eddie de los Iron Maiden del genial Derek Riggs, todos nos hemos quedad alguna vez alucinados contemplando una portada. Pero... y en nuestras tierras? Si algo tiene este país es arte (del de verdad, sin cuernos ni capotes), y la industria musical ha dado buena cuenta de ello. Hoy os traigo un ejemplo de artista "de aquí", de los de toda la vida.

Máximo Moreno. Ilustrador, diseñador, pintor... nacido en Sevilla en 1947, se convirtió en referente artístico musical de una generación. Los más granaditos de la casa seguramente recordarán la ola de "rock flamenco progresivo" de gente como Triana, Alameda o el Miguel Ríos de los primeros 70. Pues con ellos, a demás de otros ilustres como Paco de Lucía, Camarón o Lole y Manuel, trabajó don Máximo. Con su estilo hiper realista pero con un cierto toque surrealista (los extremos se tocan), ilustró portadas que ya han quedado para la historia, como la de "Memorias de un Ser Humano" (Miguel Ríos, 1974) o "Hijos del Agobio" (Triana, 1977).

No os contaré toda su biografía (os invito a visitar su web, http://www.maximomoreno.com, donde encontraréis información, galería de obras, y contacto) pero para que os hagáis una idea de su importancia en el terreno discográfico, sí os diré que creó al rededor de 500 portadas para sellos tan importantes en la época como Movieplay, Fonogram, CBS o RCA.

Tampoco soy de los que se empeñan en defender o diferenciar lo patrio de lo extranjero. Mi pensamiento es más global que local en este aspecto, pero sí me parece necesario dar reconocimiento a quien lo merece, sea de donde sea. Hay que empezar ya a romper esa tendencia a pensar (en la mayoría de los casos, injustamente) que "lo de fuera siempre es mejor".

Así pues, por favor, visitad la web de este artista y disfrutad con su obra (en la sección de óleos hay unas pinturas de unas manos simplemente alucinantes). Y ya si eso, otro día hablaremos de Thorgerson o Riggs.